Цветята в изкуството

Изящни натюрморти и прекрасни растения върху платна: цветята не само разкрасяват външния вид, но и разкриват тайни значения и предават послания на публиката. Прелиствайки завладяващи хербарий, в тази тема разглеждаме загадъчната картина със символи от цветя.

През цялата история на изкуството някои теми са резонирали особено силно както сред художниците, така и сред публиката. Tенденциите разкриват най-популярните музи на изкуството, с цветя на преден план.
Вкоренени в древното изкуство и все още разпространени днес, изображения на цветове, цъфтежи и други ботанически елементи могат да бъдат намерени в много от най-значимите художествени движения, независимо дали са издълбани в глина или участват в натюрморт. Тук ще проследим историята на цветето в изкуството, като изследваме неговата еволюция и тенденции, които привличат художниците от векове.

Отците на Църквата са знаели, че рисуваните изображения оказват огромно влияние върху религиозните чувства на вярващите. И въпреки строгостта на ранните сцени, розите и лилиумите са сред първите, които получават специално внимание.
Лилиумът е любимо цвете на древните владетели и императори. С възхода на християнството, неговите снежнобели венчелистчета са поверени да символизират чистотата на Дева Мария. Цветето става неизменен детайл в сцените на Благовещение в европейското изкуство.
Един от най-популярните сюжети на християнското изкуство, Благовещението улавя момента, в който ангел Гавраил казва на Дева Мария, че ще зачене Божия син. Ако се вгледате по-отблизо, ще откриете, че тези сцени почти винаги съдържат бели лилии. Понякога наричани лилии на Мадона, тези цветове представляват целомъдрието и чистотата на Девата, като техните златни прашници означават Божията небесна светлина.
Използването им бележи рязък обрат в символиката на цветето, което някога е било най-тясно свързано с плодородието и еротиката на гръцката богиня Хера.
От друга страна, християнските художници често украсяват сцени на Мадона с младенеца с червен карамфил, което означава любовта на Девата към Христос и като предвестник на неговото разпятие.
Червените рози също символизираха жертвата на Христос, като всяко от петте им венчелистчета представлява една от раните на Христос от кръста. Докато тези червени цветя означават смъртност в християнското изкуство, те носят значения на земна любов и преданост в сватбените портрети от същия период.

Флоралните мотиви също са били забележими в декоративното изкуство на Средновековието. През този период гоблените и други мащабни текстилни изкуства набират популярност, появявайки се в замъци и църкви в цяла Европа. В много от тези произведения обектът - често група фигури - е поставен на фон, украсен с повтарящи се флорални шарки. Тези парчета са известни като гоблени Мillefleur.

По време на италианския Ренесанс художниците са били вдъхновени от гоблените на Millefleur и често са включвали флорални елементи в своите мащабни митологични картини. В "Примавера" от Ботичели, богинята на пролетта е показана да пръска цветя върху покрититата с цветове гората. Изобразени са повечето от 190 цвята в картината.

По това време много ренесансови художници в Северна Европа се специализират в рисуването на натюрморти.
Често тези изображения включват флорални аранжировки, които според Музея Метрополитън „обикновено съчетават цветя от различни страни и дори различни континенти в една ваза и в един момент на цъфтеж“, илюстрирайки значението и разпространението на ботаническите книги и други флорални проучвания през Северния Ренесанс.

Увяхващи цветя, за да уловят мимолетната природа на човешкия живот.

Натюрмортът процъфтява в Холандия от 17-ти век, по времето, когато световната търговия е култивирала желание за екзотични лични вещи, като стъклени чаши и луковици на лалета. Сред тези богатства холандските художници създават морализаторски натюрморти, които напомнят на зрителите за мимолетната природа на материалното богатство.
Тези произведения на изкуството, често наричани momento mori („спомени на смъртността“) или vanitas („празнота“), представят черепи, означаващи смърт, пясъчни часовници, които показват преминаването на времето, и увяхващи цветя, които символизират ефимерното.
Междувременно холандците рисуваt и букети от свежи цветя, за да подчертаят силата на Холандия и славата на природата.

Тайните послания на цветята във викторианската ера

Пo време на управлението на кралица Виктория новите стандарти за етикет ограничават комуникацията във високата класа на Англия, така че мнозина започват да изпращат тайни съобщения чрез цветя.
На свой ред книгите за флориографията /езикът на цветята/ стават популярни, очертавайки видовете цветя, които сигнализират за флирт, приятелство, смущение или презрение. Например, може да откриете, че червените рози означават любов, по-тъмните рози внушават срам, а розовите рози изпращат посланието, че любовта ви трябва да се пази в тайна..
В този период на флорална треска британските художници изпълват картините си със скрита ботаническа символика.
Например в Розите на Хелиогабал /1888/ сър Лорънс Алма-Тадема изобразява трагичната история за император Хелиогабал, който наблюдава как гостите му се задушават под дъжд от розови листенца.

Междувременно дизайнерът Уилям Морис внася викторианското очарование с цветята в дома, създавайки цветни тапети с шарки с макове, лози, хризантеми и слънчогледи.

Символиката се използва активно в изкуството до втората половина на 19 век.
Можете да видите "говорещ хербарий" върху платно от Орест Кипренски. „Бедната Лиза“, която държи крехко червено цвете с нежните си пръсти. Разказва ни за нейната любов и съдба.

На фона на портрета на Екатерина Авдулина ясно виждаме ясно цвете стоящо самостоятелно в чаша с вода. Белият му цвят е символ на морална чистота, но в същото време символизира смъртта. Венчелистчетата му се рушат. Това е алюзия за преходността на младостта и красотата.

Значението на игликата варира в зависимост от нейния цвят. В картина от Едуин Лонг, жълти иглики действат като символ на младостта и любовта.

„Един миг, един аспект на природата съдържа всичко“, казва Клод Моне, позовавайки се на късните си шедьоври, водните пейзажи, които създава в дома си в Живерни между 1897 г. и смъртта му през 1926 г.
Фокусирайки се единствено върху повърхността на езерото, с неговата купчина растителност, плаваща сред отражението на небето и дърветата, Моне създава образ на хоризонтална повърхност върху вертикално платно.

Картината "Офелия" от Джон Миле е широко известна с подробното си изобразяване на растителността на реката и растенията по нейните брегове. Когато рисува обречената Шекспирова Офелия, в пищна сцена на смъртта, художникът показа всички цветя с ботаническа прецизност, следвайки текста дума по дума. Всяко растение е кодирано с определено значение. Лютичетата означават неблагодарност, плачещата върба, наведена над момиче, е знак за отхвърлена любов, копривата представлява болка, цветя от маргаритки около дясната й ръка символизират невинността. Розите традиционно говорят за любов и красота, а огърлица от теменужки означава скромност и лоялност. Адонис /горицвет/, много подобен на червен мак, плува около дясната ръка на момичето и символизира скръбта.

До 19-ти век флоралите художници съществуват някъде в дъното на йерархията на живописта. Тъй като картините на голямата история се считат за най-престижните от всички жанрове на изкуството, пейзажите и натюрмортите се разглеждат с безразличие. Тези различия се разсейват с френските реалисти и импресионисти, които възприемат ежедневните сцени и предмети като теми, достойни за изкуство.
Френският художник Едуар Мане e лидер в това усилие и посветява забележителна една пета от художественото си творчество на натюрморти. През 1880 г., към края на живота си, Мане се фокусира особено върху цветята. Той създава серия от 16 малки платна, които описват букетите, които приятелите му са подарили на болничното легло, и дори украсява личните си писма с акварели от рози и ириси.

Подобно на Мане, много импресионисти и постимпресионисти рисуват цветя, които са лично значими за тях.
Винсент ван Гог започва да рисува слънчогледи за първи път през лятото на 1886 г., но се връща към темата две години по-късно, след като кани френския художник Пол Гоген да остане при него в неговата жълта къща в Арл.
Ван Гог създава серия от ярко жълти картини на слънчоглед, за да украси спалнята на Гоген, което може да е приветстващ жест или състезателен трик, за да покаже артистичните си таланти.
Въпреки че първоначално е направен за Гоген, Ван Гог по-късно приема слънчогледа като свой личен художествен подпис, казвайки на брат си Тео в писмо от 1889 г., че „слънчогледът е мой“.

Цветята, като се има предвид идеята за растеж и плодовитост, присъщи на тях от природата, се свързват с женската сексуалност от древни времена.
Тамара де Лемпика е смятала калиите за най-женствените и еротични цветя и постоянно ги е включвала в своите натюрморти.

В картините на Джорджия О’Кийф критиците почти единодушно вждат еротични намеци. През 1919 г. фотографът и търговец на изкуство Алфред Щиглиц, който по-късно става съпруг на О’Кийф, за първи път излага идеята, че тези флорални картини всъщност са изображения на интимни части. Той смята произведенията на О’Кийф като проява на „вечната женственост". Въпреки това самата художничка винаги е твърдяла, че нейните флорални картини нямат нищо общо с женското тяло или сексуалността, а са били близки изследвания на формите на растителния живот.
Буйните, символични картини на цветя на Джорджия О’Кийф и американския югозапад са едни от най-разпознаваемите произведения на 20-ти век.
Често смятана за майка на модернизма, О’Кийф превръща картината на натюрморта в радикално събитие. Нейните изгледи на цветя в близък план граничат абстракция и предизвикат зрителите да забавят темпото и да се насладят на процеса на внимателно наблюдение.